Rigoletto: Una composición magistral

Pocas composiciones despiertan el entusiasmo de los aficionados a la ópera como Rigoletto, el drama de venganza, amor filial, pasión y engaño en tres actos de Giuseppe Verdi (1813-1901). Para muchos verdianos el momento más emocionante se da en el acto final en el que el Duque de Mantua interpreta la famosa aria para tenor La donna é mobile a la que sigue el no menos famoso cuarteto Bella figlia dell amore.

Los entendidos consideran esta ópera, estrenada en 1851, como una excepcional e inigualable obra maestra, y al compositor como genuino exponente del tránsito entre el bel canto de Rossini, Donizetti y Bellini, y la corriente verista y Puccini.

Lo fascinante de este cuarteto es que el tenor debe cantar todo el tiempo en registro agudo y mantenerse así por encima de las otras tres voces de barítono (el jorobado bufón Rigoletto, protagonista del drama), soprano (Gilda, su hija) y contralto (Maddalena). La pieza es una de las más celebradas del repertorio verdiano, debido a que esas cuatro voces se fusionan excepcionalmente al final de la melodía hasta formar un todo pleno de fuerza sobrecogedora.

Los biógrafos de Verdi aseguran que el escritor francés Víctor Hugo, autor del drama “Le roi s´amusse”, en que se basa el guion, después de asistir a una de las primeras representaciones de Rigoletto le confió a Verdi su admiración y envidia, por lograr que cuatro voces diferentes, cantando a la vez y expresando sentimientos diferentes, pudieran compenetrarse con tanta belleza y perfección, algo que a su juicio era imposible de alcanzar en una obra teatral. Es difícil escuchar o ver esta obra y no prenderse para siempre de ese inigualable género musical.

Si Dios le ha hablado a seres humanos debió hacerlo al autor mientras escribía este cuarteto de Rigoletto, a Puccini en Turandot, a Mascagni en Cavalleria y a Beethoven siempre, tan alto y tanta veces que acabó dejándolo sordo.

Miguel Guerrero
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Plácido en el Royal Opera House

Hablemos un martes de Domingo
La edad no siempre es un obstáculo para demostrar el talento y la creatividad. Así quedó de manifiesto, cuando hace poco más de dos años, Plácido Domingo, haciendo gala de su extraordinaria capacidad vocal interpretó el personaje central de la ópera Nabucco, de Giuseppe Verdi, en el Royal Opera House de Londres, uno de los teatros más importantes y legendarios. Esta composición, en cuatro actos, basada en el Antiguo Testamento, es una de las más representativas del repertorio verdiano, si bien no figura entre las más conocidas del compositor. En el país se la identifica principalmente por el lamento coral de los esclavos judíos a orillas del Éufrates, en la escena segunda del tercer acto conocido como La Profecía, en el que añoran su tierra natal (Va pensiero, sulli ali dorate).

Lo singular de la actuación en esta oportunidad de este incomparable cantante lírico, el más versátil de entre sus contemporáneos, es que el rol de Nabucodonosor, rey de Babilonia, le corresponde a un barítono y Domingo en toda su larga y exitosa carrera ha sido más conocido como el gran tenor que en realidad es, a pesar de que en sus inicios en México, donde perfeccionó sus estudios de canto, piano y dirección orquestal, su registro grave correspondía al de un barítono.

Aunque nunca fue capaz de alcanzar, según su propia confesión, un Do de pecho, que tanto entusiasma a los aficionados, y ni pensar en el mítico Fa sobreagudo, a pesar de su sonoridad y amplia tesitura, su preferencia actual parece propia de la edad, tiene 74 años, cuando comienza a hacerse ostensible la disminución de la capacidad vocal para mantener los agudos, mientras oscurece su brillo.

Memorables han sido otras de sus actuaciones en ese registro, como en Simón Boccanegra, también de Verdi, cuya versión original, entrenada en 1857, fue posteriormente objeto de algunos cambios debido a las dificultades de interpretación de su partitura.

Miguel Guerrero
La Columna de Miguel Guerrero
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Entrevista a Ramón Oviedo en 2007

   Autoretrato. Colección Antonio Ocaña.

El pintor dominicano Ramón Oviedo murió hoy y BBYVT reproduce esta entrevista realizada por Fernando Casanova para Diario Libre en 2007

Santo Domingo, 2007. Cuando el Maestro Ramón Oviedo cumplía 85 años y el país artístico se preparaba para celebrárselo. Estaba en plena forma física y mental. Recibió a Diario Libre en su taller de Alma Rosa, en un barrio con uno de los nombres más bonito que se pueda tener, y que a un Maestro del color no le pasaba desapercibido el que le pongan color al Alma. El tema que los convocó fue el de "El autorretrato", que ha sido frecuente en su obra; pero hablaron de muchas otras cosas.

P. Maestro, he estado investigando antes de venir a su taller y me he encontrado con que a usted le han celebrado años que no coinciden con los 85 que celebramos ahora ¿Le pasa a usted lo mismo que a los peloteros, que tienen una edad en sus documentos y otra de verdad?

R. A mí me pasó algo parecido, pero al contrario que lo que le sucede a los peloteros, aparecía con más edad. Pero ya todo eso está corregido y mis documentos indican mi verdadera edad, que son 85 años.

P. Aclarado. Usted ha sido de los pintores dominicanos que más autorretratos se han hecho, y autorretratos de mucha intensidad. Puedo recordarle el autorretrato en azul y el Plasta I que están en la colección de Antonio Ocaña ¿A qué se debe esa tendencia suya? ¿Es vanidad, búsqueda...?

R. Creo que nada de eso. Yo comencé a hacerme retratos como una forma de práctica para pintar. Lo hacía con mi propia imagen porque no tenía modelo, no podía pagarlo, ni quería molestar a mis amigos posando horas y horas, esa es la razón por la que los hacía.



P. ¿Usted cree que ese argumento sea válido también para los demás pintores?

R. Puede que haya algo de eso. Mire usted, el trabajo del pintor es muy solitario, son muchas horas en soledad y es mas cómodo coger un espejo y tomarse uno mismo de modelo. No es nada de narcisismo.

P. Hay uno en especial, Plasta I, que me recuerda bastante a Francis Bacon. Es un autorretrato inquietante, me da la impresión que ahí no hubo lo de tomarse como modelo, ahí se ve usted como derritiéndose, un poco como de desesperación. Inclusive el título tiene mucha carga de significado.

R. Yo tengo un cuadro que habla sobre las distintas clases sociales, en el que todas las clases sociales se van por un inodoro, por un desagüe. Porque yo creo que la Humanidad sólo es una, no son clases. En cualquiera de esas clases, como han querido dividir a la humanidad, se dan todo tipo de personas. Grandes, miserables o nobles, no depende de las clases. En ese autorretrato, que está en la colección de Ocaña, me puse como modelo para no poner a otra persona que se pudiese ofender. Me puse yo mismo como una plasta, una plasta de usted sabe qué, y es una forma de quitarle ese aire de superioridad o inferioridad que se le da a la gente cuando se dividen en clases. Ese autorretrato no es algo personal, es una reflexión sobre un tema social.

P. El autorretrato en azul corresponde a un periodo suyo en el que el uso del azul era predominante. También he oído que existe "el rojo Oviedo", ¿Los colores que usted usa y ha usado son determinados por un estado de ánimo o por alguna experimentación específica, o que no le gustan los colores que vienen de fábrica y entonces hace sus propias mezclas?


R. Eso del "rojo Oviedo" son invenciones de los críticos, en realidad yo no tengo preferencia por ningún color. Hay colores que te ayudan a darle fuerza al tema que estés trabajando, pero cada tema pide su color.

P. He visto que estaban exhibiendo varios dibujos suyos recientes, con trazos muy firmes y casi como con una línea sin despegar la mano. Usted ha dibujado mucho, de hecho trabajó en el Instituto Cartográfico como dibujante. En esos dibujos ya no hay color.

R. El dibujo es esencial. Desde niño yo dibujé mucho y soy Cartógrafo profesional, lo cual me hizo trabajar mucho el dibujo de todo tipo, el de alta precisión, no sólo el artístico. El dibujo, que es pura línea, que no se auxilia del color ni de la mancha o de sombras, es para mí de vital importancia. El dibujo es la base que debe cultivar el pintor si quiere después descomponer, hay que saber dibujar y composición para poder descomponer. Fíjese en Picasso que era un Maestro en eso. Aunque se puede pintar sin saber dibujo.

P. ¿Y qué les aconsejaría a los jóvenes?

R. A mí no me gusta dar consejos a los jóvenes. No porque yo sea egoísta, sino porque no quiero fallarles, y también porque quiero que ellos sean libres, que desarrollen su propia personalidad. A veces uno da un consejo en base a la propia experiencia, pero las experiencias de cada uno son particulares y podría uno equivocarse dando la receta propia a otros. Sin embargo, te pongo un ejemplo, cuando los estudiantes que se reúnen por el Parque Colón se me acercan, a mi me da mucho agrado hablar con ellos y comentar cosas, pero no en forma doctrinal, ni arrogante, sino con el cariño de reconocerme en ellos cuando yo era más joven.



P. Veo en una pared de su taller una frase escrita por usted, a modo de graffiti, "LA SEGURIDAD DEL SER HUMANO ESTÁ EN EL CEREBRO, ÚSALO". ¿La gente está perdiendo la capacidad de usar el cerebro, de tener una vida espiritual que le enriquezca?

R. Eso es básico, y por no saber usar el cerebro es que viven cometiendo errores. El pensar es lo que te hace vivir y disfrutar de tu sociedad, es el que te puede dar una vida espiritual rica. Claro, el cerebro, el trabajo y la formación cultural, son elementos esenciales para tener calidad de vida, no solo para los pintores, sino para todos los seres humanos.

P. ¿Qué usted opina sobren el caso de los retratos por encargo, con la carga de vanidad de los que los encargan?

R. Aquí se hacen pocos retratos como manda la escuela del retrato. Muchas veces le dan una fotografía al pintor y le dicen "hazme ese retrato". Lo que están pidiendo es una reproducción. Para el retrato hay que posar, hay que crear la posición, crear el ambiente. Hay que hablar con el retratado. Aunque yo no creo que en un retrato haya que reflejar el carácter del retratado.

P. Me parece que a los retratados les gusta verse más jóvenes, más ricos y más blancos ¿no?

R. Así es. En el retrato hay tanto del retratado como del retratista. A los ricos, a los reyes les encanta que los retraten, desde siempre ha sido así.



P. ¿Usted ha hecho muchos retratos?


R. Yo hice, ya no más. De hecho los hice como un muestrario para que vieran que yo tenía la capacidad suficiente para hacerlo.

P. Se dice que quien no sabe retratar no sabe pintar, que esa es la prueba de fuego, ¿es cierto?

R. No necesariamente. Se puede ser un gran pintor sin saber hacer retratos.

P. ¿Y sobre el hiperrealismo que opina?

R. Cuando yo viví en Nueva York visité mucho los museos para ver a los hiperrealistas, para ver porqué ese afán de reproducir la realidad tal cual. Me pareció que no era gran cosa, no me convenció. En la obra debe estar la traducción que hace el creador de lo que ve, uno debe poner algo de su creatividad, su propia visión, aunque sin salirse totalmente del objeto. Lo contrario sería hacer una fotografía y eso lo hace una camarita.

P. ¿Picasso fue importante en su formación?

Mucho. Picasso fue una gran escuela. El dibujo y la composición en Picasso fueron una gran enseñanza para mi.

P. ¿Qué encontró en Picasso? ¿Libertad?

R. Libertad para hacer cosas, una nueva mirada para entender las técnicas y sus posibilidades.

P. Usted ha recibido todos los honores y reconocimientos oficiales y privados ¿No se vuelve uno vanidoso con esas manifestaciones, no se le suben los humos a la cabeza? ¿Qué se siente saberse inmortal de las artes?

R. Ahí está la cosa. Eso hay que saberlo aceptar. Aceptarlo sin creerse un Dios, impenetrable y arrogante. Esos reconocimientos los he recibido como eso, un reconocimiento a un trabajo arduo, duro y con muchos sacrificios. Esos reconocimientos no me hacen pensar que ya estoy realizado totalmente, uno no puede estancar, uno debe seguir mientras piensa claramente, con lucidez. Yo estoy creciendo cada día, porque yo me siento así. La declinación del hombre se siente, y yo siento que estoy muy vivo y capaz de crear cada día. Mientras usted se pueda mover y su cerebro esté sano y lúcido, debe seguir trabajando.

P. ¿Y su relación con los miembros de su generación, cómo son esas relaciones?

R. Muy buenas. De hecho muchos de nosotros nos reunimos los viernes aquí, en la terraza de mi taller. Ahora, hay algunos que no, hay algunos que son un poco difíciles. Pero no me preguntes por nombres, pero creo que en general nos llevamos muy bien.

P. ¿Y por el Pueblo llano, se siente reconocido y querido?

R. Sí, por supuesto.

P. ¿Y cómo ve la salud del Arte en el país?

R. Yo la veo muy bien. Pero como en todo el mundo, hay mucha gente que no entiende ni papa de esto, pero hay muchos que están haciendo muy buenas cosas. Siempre ha sido así. Claro el que hace más esfuerzo llega más lejos.

P. ¿Los artistas tienen que tener un hábito de trabajo, crearse una rutina con método?

R. Sin esfuerzo no se consigue nada. No pasa un día sin que yo venga a este taller, el trabajo diario es básico.

Muchas gracias Maestro de parte mía y de REDES

R. Gracias a ustedes por tan grata conversación.


BREVE CRONOLOGIA.

Tomado de www.ocana.com

1924

Nace en Barahona, República Dominicana.

1965

Gana el primer premio del concurso de pintura que se realiza en medio de la revolución con su obra titulada "24 de abril". Esta obra es considerada por muchos como la obra maestra de la pintura dominicana.

1969

Gana el Primer Premio de Pintura del Concurso E. León Jiménes, CxA. con la obra titulada "Espantajo".

1982

Inaugura su mural titulado "Mamamerica" en la sede principal de la Organización de Estados Americanos (OEA), Washington D.C..

1988

Gran retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de la República Dominicana, donde exhibe mas de seiscientos cuadros, ocupando todos los pisos del museo.

Se publica la obra "Oviedo, Trascendencia Visual de una Historia", escrito por el reconocido escritor y critico de arte dominicano Efraim Castillo.

La Galería de Arte Moderno con el auspicio de la empresa E. León Jiménes, C X A, presenta el documental titulado El Camino Pictórico de Ramón Oviedo.

1992

Inaugura su mural titulado "Cultura Petrificada" en la sede principal de la UNESCO en París, Francia.

1999

La Galería degli Uffizi, Florencia, Italia, acoge en su colección "Gallería del Ritratti d´Artista", un autorretrato del Maestro Ramón Oviedo.

2002

Recibe la condecoración del Ministerio de Cultura y de Comunicación del Gobierno Frances como "Caballero de la Orden de Artes y Letras" ("Chevalier de L'ordre des Arts et des Lettres". )


2007

Se devela su mural titulado "El nacimiento de la Constitución" en el Congreso Nacional de la Republica Dominicana. Las dimensiones de esta obra son de 195 x 116 pulgadas.

Fernando Casanova y Llaca

Diario Libre

2007

Cualquiera es tenor? / Javier Camarena

Aria de Ramiro, de La Cenerentola (Rossini), Si ritrovarla io giuro

El 18 de abril de 2014 el tenor mexicano Javier Camarena tuvo que cantar  por segunda ocasión consecutiva un aria en la Ópera Metropolitana de Nueva York, con lo que se consolidó como uno de sólo tres intérpretes que han hecho historia al hacer un bis (repetición del número) en ese recinto.

Marihal / BBYVT

Aquella gala en el Gran Teatro del Liceo de Barcelona

                    Giacomo Lauri -Volpi.

Una noche memorable
La gala conmemorativa del 125 aniversario del Gran Teatro del Liceo de Barcelona ofreció en 1972 a los amantes de la ópera una de esas ocasiones memorable y experiencia irrepetible a una misma generación. Esa noche, a los 80 años de edad, el gran Giacomo Lauri-Volpi intepretó el aria Nessum Dorma, de Turandot, que Giacomo Puccini, escribió pensando especialmente en su voz y en la de otro gran tenor de aquella época, el español Miguel Fleta, poco antes de morir sin haber concluido la obra.

Aunque ya trémula su voz, ya retirado, sin el acento vibrante y la resonancia limpia de sus agudos, que sus biógrafos llegaron a calificar de “sobrenatural”, su sola presencia majestuosa en aquél escenario hizo de aquella lejana presentación un hito en la historia de la ópera. Tal vez muy poco conocido para los aficionados que no han tenido el privilegio de escuchar las grabaciones que han podido salvarse de sus presentaciones, Lauri-Volpi es considerado como uno de los más grandes tenores líricos de todos los tiempos. Inigualable intérprete de Verdi, su fama se cimentó, sin embargo, por su versatilidad y enorme capacidad vocal para adaptarse a las partituras más exigentes, como fueron sus interpretaciones de “Los hugonotes”, de Meyerbeer, que muy pocos tenores han incorporado a su repertorio por sus grandes dificultades vocales.

Dos años después de finalizada la Segunda Guerra Mundial, se le seleccionó tercero en una lista de las cinco mejores voces líricas masculinas, sólo detrás de Franco Corelli y Jussi Bjoerling, que también incluyó a Enrico Caruso y Benaminio Gigli. Un año después de la gala de Barcelona, grabó su último disco, una recopilación de fragmentos de óperas y música sacra, que incluyó el aria “Quando le sere al placido”, de Luisa Miller de Verdi, cuya interpretación en 1924 en el Metropolitan se le recuerda como uno de los grandes momentos de la ópera. Murió a los 81 años.


Miguel Guerrero
La Columna de Miguel Guerrero
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República Dominicana exhibirá por primera vez proyectos de arquitectura en el MoMA

Laboratorio de Arquitectura Dominicana colabora con el Museo de Arte Moderno de Nueva York en muestra de arquitectura latinoamericana
Será la primera vez que se exhiban proyectos de República Dominicana en el MoMA

NEW YORK, USA. -  Parte del material histórico y de investigación curado por el Laboratorio de Arquitectura Dominicana para la “Feria Concreta” (primera exhibición nacional de República Dominicana en la Biennale de Venezia) ha sido seleccionado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) para formar parte de su muestra “Latin America in Construction: Architecture 1955-1980”.

La exposición se inaugurará en marzo de 2015 y presentará una visión compleja de las posturas, debates y creatividad arquitectónica en Latinoamérica entre 1955 y principios de la década de los 80, período  caracterizado por la auto interrogación, exploración y cambios políticos.

En esta se compilarán materiales originales que nunca han sido exhibidos juntos y que raramente se presentan fuera de sus países.  Además presentará dibujos arquitectónicos, modelos, fotografías y filmes de la época, así como maquetas y fotografías nuevas comisionadas al artista Leo Finotti.

Esta será la primera vez que en las salas de la prestigiosa institución, fundada en 1929 con el objetivo de difundir el arte moderno y contemporáneo, se exhiban proyectos de la República Dominicana.

Es importante destacar que la “Feria Concreta” explora el impulso y el impacto del recinto ferial de la Feria de la Paz y de la Confraternidad del Mundo Libre celebrada en 1955 en Santo Domingo.

Datos de interés

MoMA: Fundado en 1929 como una institución educacional, el Museo de Arte Moderno (MoMA) se ha dedicado a ser el más destacado museo de arte moderno en el mundo. Como misión central el MoMa fomenta el entendimiento profundo  y el disfrute del arte moderno y contemporáneo por parte la diversa audiencia local, nacional e internacional a la cual sirve.

LAD: El Laboratorio de Arquitectura Dominicana es una organización sin fines de lucro en la República Dominicana dedicada a la investigación, educación, experimentación y curaduría de proyectos arquitectónicos, urbanísticos y de diseño. Nuestro objetivo es proveer una plataforma alternativa que genere diálogos y colaboraciones internacionales e interdisciplinarias en el contexto geográfico de la República Dominicana y del Caribe. Nuestros programas incluyen foros de debate, conferencias, exhibiciones y publicaciones.

Mitri Jiménez
Editora de Cultura

Giacomo Lauri-Volpi y Miguel Fleta

     Miguel Fleta y Giacomo Lauri-Volpi.

Dos gigantes de la lírica
Las guerras mundiales abortaron las carreras de muchos cantantes líricos. Pero en medio de una y otra surgieron y brillaron algunas de las voces masculinas más extraordinarias de la historia de la ópera. Una de ellas fue la de Giacomo Lauri-Volpi, nacido en Lanuvio, Italia, en 1892, quien se destacó en los escenarios más exigentes de Europa y el continente americano por la resonancia de su voz, que los críticos de su época calificaban de vigorosa, con un acento vibrante, casi místico, pocas veces escuchado en otro tenor hasta entonces.

Su Luisa Millar de Verdi en 1927 en el Metropolitan de Nueva York, quedó registrado como uno de los más fascinantes momentos del historial de esa meca de la ópera, por donde han desfilado a lo largo de más de un siglo los más grandes cantantes líricos de los que se tenga memoria. Su interpretación en aquella oportunidad del aria “Quando le sere al placido”, puso de manifiesto la resonancia de su voz, por los diarios de entonces considerada, “clara y casi sobrenatural”, debido a su peculiar vibrado y sus notas asombrosamente altas.
A diferencia de otros cantantes líricos, la ópera no fue su única pasión. Muy pronto, en plenitud de su carrera, su otra vocación, la literatura, cambió el curso de la vida de Lauri-Volpi. Ocurrió a mediados de los años treinta, cuando los rigores de la guerra cerraban los principales teatros europeos.

Otro extraordinario tenor, Miguel Fleta, nacido en España a finales del siglo IXX, sobresalió por sus extraordinarias cualidades vocales, pero murió muy joven, a los cuarenta años, dejando el recuerdo del brillante color y expresión de su voz, la extensión de su registro y la sensualidad que imponía a sus actuaciones. Los biógrafos de Puccini sostienen que el aria de Turandot “Nessun Dorma”, alegoría de la victoria del amor sobre el odio, fue concebida por el compositor pensando en ambos tenores.

Miguel Guerrero
La Columna de Miguel Guerrero
elCaribe